Charlie Mysterio o Charlie Nebulosa, líder de los desaparecidos Los Caramelos, estrena nuevo proyecto musical de la mano de la discográfica Jabalina. Tras jugar al despiste rumbero con numerosos cambios de nombre, finalmente este personaje sin par de la escena independiente madrileña se asienta bajo su alias más sugerente y enigmático: Charlie Mysterio.
Charlie es una especie de enciclopedia musical, uno de los contados dandis que ha dado esta España nuestra desde la desaparición de su admirado Carlos Berlanga; un compositor romántico dotado de una clase insólita en el pop español. Junto a su viejo aliado El Zurdo, está preparando, al margen de su proyecto en solitario, un disco surfero de encargo para el reconocido sello Siesta que saldrá a la luz después del verano con el nombre de La Ruleta China.
En este disparatado y caluroso país en el que siempre triunfan las bandas y personajes mediocres, Charlie, un tipo elegante y bien parecido, una bizarra mezcla entre Julio Iglesias y Bryan Ferry, se sitúa en las antípodas de la ñoñería que caracteriza a la mayoría de los grupos poperos. Sus canciones, susurrantes e íntimas, son una tentación irresistible para los amantes del pop sofisticado. Se trata de minúsculas gemas de pop atemporal, que, pese a su sonido agrio, dejan un buen sabor de boca.
En esta nueva andadura Charlie Mysterio desempolva de su imaginario personal las influencias musicales que le han hecho crecer como músico: las jotas aragonesas, el folclore murciano y la canción de la meseta castellana. Además, se declara ferviente admirador de grupos corales como Los niños cantores de Viena (momento que aprovecho para recordar su pasado de corista en los jesuitas).
Tras una compleja concatenación de circunstancias, tan alambicada que su relato daría lugar a un nuevo post, Charlie, ideólogo y compositor de este fantasmagórico proyecto, ha decidido asociarse en el escenario con una panda de figurantes caraduras que aportan diversión y bailoteo a su directo. Podrás descubrir las sorpresas que depara tan misterioso combo el próximo miércoles día 14 de mayo en la Sala Siroco en una fiesta de Jabalina en la que también tocarán Montevideo y Aldo Linares. Eso sí, aviso de que desafina como nadie, espero que no les moleste.
Hacía bastante tiempo que no tenía una adición televisiva tan fuerte con la que he sufrido la última semana con la exitosa serie inglesa de los años ochenta Retorno a Brideshead. He ido devorando capítulo tras capítulo con una fruición y placer adolescente, y he de añadir que nunca antes 50 euros (precio que pagué por el pack) me habían dado tantas emociones y satisfacciones.
Las series tan en boga y comentadas hasta la extenuación en los mentideros modernos de los últimos años como Perdidos o Prision Break siempre me han parecido una pesadez. Es más, reconozco que cualquier serie con más de dos temporadas, como las películas con final abierto, me parecen un auténtico timo. Casi no veo la tele porque me aburre, no me aporta nada, no me hace compañía y, por supuesto, no es el espejo en el que tiendo a reflejarme. Es decir, siempre encuentro mil cosas más interesantes que hacer antes que engancharme a una serie. Sin embargo, Retorno a Brideshead ha sido una revelación que necesito compartir públicamente. No voy a destripar aquí el argumento y la historia de Brideshead (basada en la novela del genial Evelyn Waugh) porque mi recomendación es un (nuevo) visionado íntegro de la misma. Simplemente me voy a detener brevemente en los aspectos formales que hacen de Retorno a Brideshead la “serie perfecta” y la “serie de las series”, además de contar con el sambenito de ser la serie más costosa y elaborada de la historia de la televisión inglesa.
Las localizaciones de la bucólica y sugestiva campiña inglesa sin ninguna duda tienen un papel fundamental en el drama: la serie fue rodada en el mítico Castillo Howard, considerada una de las casas más bonitas del mundo, simbolizando el esplendor de una época, la decadencia de una gran familia aristócrata inglesa; las escenas en Venecia se filman en el Palazzo Barbaro (antes de ser reformado con la limpieza y repintura inherentes a las peligrosas reformas). En Bridshead los ambientes son vividos, acogedores y cálidos (algo que los ingleses saben hacer como nadie); todo es grandioso, pero de una magnificencia oxidada por la acción lenta del tiempo y el efecto de la luz; todo es fastuoso, pero sin pretender ostentar o exhibir: lo que los ingleses llaman effortless elegance, y ese gusto o estilo de vida, aunque muy propio de una época ya totalmente desaparecida, se puede todavía apreciar en la biblia de la decoración, The World of Interiors. A todo esto hay que sumar el look dandy, de un gusto impecable y elegante, con acento a sastre inglés. Todo un culto a la belleza.
El 23 de mayo se inaugura en la Tate Modern de Londres una exposición sobre arte urbano que despierta mi interés por varias razones. La primera es la envidia que me produce que el mejor museo de arte contemporáneo de Inglaterra sea tan atractivo, vivo y realmente contemporáneo; una institución dinámica que intenta abarcar todas las corrientes artísticas no sólo del arte establecido, sino, como en este caso, del arte más callejero. Nuestro equivalente español en cambio no le va a la zaga, y es que el Reina Sofía apuesta por las manifestaciones artísticas más frescas y menos institucionales. Se necesita un soplo de aire fresco ya.
Un ecléctico grupo de artistas de la escena grafitera -aunque muchos ya han dado el salto al circuito de las galerías- adornará con su trabajo las fachadas de la pinacoteca londinense: Blu de Bolonia; el colectivo Faile de New York; JR de París; Nunca y Os Gemeos, ambos de Sao Paulo, y Sixeart de Barcelona. Para mantener el espíritu esencial de este arte y no encerrarlo dentro de una claustrofóbica sala, la exposición tendrá lugar íntegramente en los muros exteriores del museo. La otra razón por la que me interesa esta exposición es porque varios artistas afincados en Madrid, pertenecientes a la órbita de la galería-tienda Subaquatica, pionera en España en esto del street-art, van a estar presentes en esta fiesta. El Tono, Nano, Spot y 3ttman van a realizar intervenciones, como parte de la exposición, por la ciudad de Londres. Todo un éxito para el arte urbano en general que repite exposición en uno de los grandes tras la realizada en el MOMA de Nueva York en 2007, y en particular para los integrantes de la conocida amistosamente como la factory madrileña que imagino deben de estar exultantes.
Y hasta aquí puedo leer de momento, pero estad atentos porque puede haber sorpresas muy interesantes de última hora.
Como buen mitómano que soy tengo una seria tendencia a mitificar y admirar exageradamente a personas, lo cual no quiere decir que pierda el sentido critico y acepte, como si un acto de fe se tratara, todo lo que hagan o digan mis deidades humanas. Que sea un mitómano no quiere decir que les profese amor eterno, y como decía en otra de mis entradas, los que un día fueron héroes al día siguiente pueden estar desterrados de mi Olimpo de dioses paganos de carne y hueso. Es decir, que han sido muchos los mitos de mi adolescencia que han caído.
Está claro que esa tendencia del mitómano a engrandecer la realidad es bastante morbosa, provocando en ocasiones delirios de grandeza y alimentando un mundo irreal. En algunos casos existen unas motivaciones más perversas y profundos que suelen ser inconscientes, sirvan para ilustrar estas anormalidades los matrimonios de Mario Vaquerizo y Alaska o Tony Hernández con Sara Montiel.
Pero el tema de esta entrada no va por esos derroteros psicológicos —según muchos psicólogos la mitomanía está relacionada con los trastornos del yo— sino que es mucho más frívolo y ligero, y responde a la siguiente pregunta que me formularon el viernes pasado en la fiesta-cumpleaños de Estela Aparisi: ¿A qué persona viva te gustaría conocer? Muchos se quedaron sorprendidos con mi respuesta, ya que difícilmente soy representativo de la gente que ocupa las gradas de los estadios y parecía que simplemente pretendía epatar o despistar. Pero no es así, me encanta el fútbol, y las dos nuevas incorporaciones a mi Olimpo personal pertenecen al deporte del pueblo llano: Michael Laudrup y Granero, ambos del Getafe, mi nuevo y platónico equipo.
TOC son las siglas de Trastorno Obsesivo Compulsivo, que como su propio nombre indica, es un trastorno que pertenece a los desordenes mentales provocados por la ansiedad. El toc se puede presentar en forma de pensamientos, imágenes, ideas, impulsos o conductas cotidianas repetitivas. No hay que alarmarse a menos que la realización de estas compulsiones ocupen más de una hora diaria o que interfiera notablemente en las relaciones sociales. En ese caso se debería acudir directamente al psiquiatra porque puede derivar en un problema mucho más serio.
Estas anormalidades vienen provocadas por los mensajeros del cerebro: los neurotransmisores. En concreto afecta a la serotonina, un neurotransmisor que ayuda a regular la disposición de ánimo, la agresión y la impulsividad. También es el encargado de mandar la información de una neurona a otra, proceso que se ralentiza en las personas con TOC.
Yo he tenido compulsiones desde pequeño pero, ya fuese por vergüenza o culpabilidad, las sufrí en silencio. La película Mejor imposible fue, para muchos, una especie de catarsis cómica al identificarnos y reirnos con Jack Nicholson. A día de hoy todavía tengo algunos síntomas pero que pertenecen al campo de la supestición y el ritual: sigo limpiándome pies en el felpudo de casa dos veces antes de salir o encender y apagar la luz de la habitación cuando llego a casa después del trabajo.
Hay tantos tocs como colores y locuras, sin embargo ya se han registrado algunos de los más comunes como volver a casa para comprobar que no te has dejado la plancha encendida, que has cerrado la puerta, pensar que a algún ser querido le va a pasar algo malo, lavarse las manos cada vez que tocas algo, no pisar las líneas, miedo a los gérmenes, orden estricto y simétrico, repetir palabras en silencio, cerrar la puerta dos veces...
Dicho esto, quien esté libre de algún toc que tire la primera piedra.
Uno de los rumores que más se estilan por la blogosfera yanqui es el nuevo romance del director artístico de Louis Vuitton y el porn-star Erick Rhodes. Parece ser que Marc Jacobs, cada día más hortera e infame con ese color de pelo azul, mantiene, al margen de su relación oficial con el ex chapero Mark Preston, intensas relaciones sexuales con el musculitos de veintiséis años de mejillas rubicundas y cara poco inteligente. No obstante, Erick lo desmiente en su súper visitado blog (¿será por su prosa, por sus nuevos amigos o por su tranca?) mientras Marc anuncia que se va a casar con Jason… vamos un súper queerlebrón.
En el último desfile de Marc se pudo ver en la envidiada frontrow a Erick Rhodes rivalizando en protagonismo con Vicky Beckham (“this bitch needed to go out of my face” declara en su blog el mismo Erick); y en la afterparty se vio al trío calavera bailando muy juntitos, con roces sugerentes y lúbricos y tocamientos en los pectorales que hacía presagiar que la partybed acabaría en trío.
También se les ha visto a Marc y a su robusto galán por la ciudad del Sena paseando, comiendo en restaurantes súper chics y frecuentando algunas de las saunas masculinas más lujosas, afición que tanto le gusta a Marc desde que conoció Jason, quien lo inició en los tríos, cuartetos y equipos de rugby.
Marc ha sufrido una transformación sustancial y hormonal a manos de su fiancé Jason pasando de ser un niño flacucho y desgarbado para convertirse en un cuerpo bronceado de gimnasio. Esperemos que Erick no continúe con esta proyección y no convierta a Marc en el hombre masa.
Y sin ningún juicio en el horizonte, que Dios nos pille confesados que todo esto no pasa de ser meros chismorreos, no tengo muy claro quien ha salido ganando en este actualización gay del clásico “el guapo, el feo y el malo” reconvertido en el menage a trois “el couture, el hustler y el pornstar”. Eso sí, the gossip is served.
Mientras los españoles más democráticos elegían popularmente a Rodolfo Chikilicuatre para que nos representara en el decadente festival de Eurovisión, nuestros vecinos gabachos, mucho más graves y delicados en todo lo referente a su cultura y su exportación, han apostado por Sebastián Tellier como portavoz musical para la cita de Belgrado.
Sebastián Tellier, para los que no lo conocen, es un músico respetadísimo en el circuito indie -un poco tostón por momentos- autor de uno de los mejores singles de lo que llevamos de siglo, La Ritournelle. La canción seleccionada para la cita eurovisiva es Divine, de su último álbum Sexuality, producido por uno de los Daft Punk.
Por mucho que nadie se tome en serio Eurovisión –salvo los países del Este, ávidos de protagonismo y repercursión en Europa- está claro que no se puede dejar en manos del vulgo decisiones de este tipo (tenemos el claro precedente de la primera edición de OT y la Rosa de España), y lo que se necesita es un jurado cualificado que se lo vuelva a tomar en serio y ponga en marcha toda la maquinaría comercial, industrial y mediática a su servicio (la campaña de myspace ha sido en verdadero fiasco). Y si no, au revoir, Eurovisión.
Eugenio Ampudia es uno de esos artistas incómodos e inclasificables que despotrican contra el arte tal y como lo conocemos hoy y contra la institución social y económica que lo sustenta, incluida la figura misma del artista. En la última edición de Arco triunfó ganando el Premio de la Crítica al Mejor Artista Español, por lo que está de enhorabuena y desde el Rincón de Pintón lo celebramos con una entrevista para conocer mejor su universo creativo. Con todos ustedes Eugenio Ampudia. Casi ná.
¿Cómo definirías tu trabajo? Mi trabajo es el resultado de tener muchas cosas que comunicar e intentar transmitirlas de la forma más básica. Es expresar con piezas artísticas las ideas y pensamientos que hay en mí. Parte de mi trabajo lo podéis ver en mi página web: www.eugenioampudia.net ¿Cuál son tus influencias? Mi alrededor, todo lo que me rodea, mi familia, mis amigos, la sociedad, me sirven de influencia; en lo artístico lo que más me influye es el arte conceptual y el minimal. ¿En qué te inspiras? Me inspiro, sobretodo, en la relación entre el espectador y el arte. ¿Cuál ha sido tu último "goal"? Mi último “goal” en este año 2008 ha sido la pieza Prado GP (videointalación que recrea un premio GP de motos con el Prado como circuito) y la pieza Tiempo, presentadas este año en Arco ’08. ¿Tiene el arte todavía intenciones políticas? Por supuesto, la mayor parte del arte es político y defiende o ataca intereses políticos de la sociedad en la que se fabrica. ¿Cuál ha sido la lección más importante que has aprendido en todos estos años? La lección más importante que he aprendido en todos estos años es que se puede vivir del arte si pones mucha ilusión y esfuerzo y que la verdad es lo único que cambia a lo largo del tiempo. ¿Cuál es tu filosofía de vida? Disfrutar del momento.
La semana pasada la ONU denunció públicamente el trato de los medios de comunicación a los celebrities que abusan de las drogas. En tal comunicado se pedía que no se airen a los cuatro vientos las adiciones de los famosos ya que transmiten un mensaje equivocado e incitan a los jóvenes a consumir sustancias estupefacientes. Para Emafo, presidente del Panel Internacional para el Control de Narcóticos (INCB), "el hecho de que los famosos tomen drogas contribuye a hacer glamuroso el consumo de sustancias ilegales, sobre todo cuando aparecen en los medios de comunicación y se conoce que no son castigados severamente por sus faltas".
Claramente se estaba refiriendo a esa generación de desquiciadas y veinteañeras americanas lideradas por Paris Hilton y la sombra de B. Spears y, sobre todo, a los abanderados del starsystem musical británico: Amy Winehouse y Pete Doherthy, dos ídolos auténticamente cool de los teenagers de medio mundo. Lo que el señor Emafo parece desconocer es que en estos dos casos se trata de campañas de márketing orquestadas por sus propias discográficas que han encontrado en la imagen de niños malos y drogadictos un filón para vender más discos y subir el caché de sus estrellas. Hablando en "plata", que no se drogan ni la mitad de lo que nos quieren hacer creer. Y es que hasta para ser yonqui hay ser ser auténtico porque a la mínima te conviertes en un payaso tipo Keith Richards o J Planetas.
A continuación les ofrezco mi verdadera lista de músicos yonquis que no traficaron con sus adiciones para hacerse más populares, sino que sus coqueteos tóxicos fueron su verdadero calvario que les marcó para siempre. NICO: El bellezón alemán consumía heroína en silencio, ella solita, y acabo desquiciada, irascible e intratable. "You are beautiful and you are alone". JANIS JOPLIN: Llegó a pesar 35 kilos debido a su adicción a los opiáceos. “Try just a little bit harder”. M. FAITHFULL: La aristocrátca llegó a ser una auténtica yonqui callejera que ni sus amigos reconocían."Sister morphine". FABIO McNAMARA: A punto de pasar al otro mundo en los ochenta, este politoxicomano malgastó su talento en fiestas, noches y drogas a go gó. "La coca, la coca, me vuelve medio loca". KELLEY DEAL (gemela de Kim): Adicta a la heroína desde que era una teenager llegó a tener problemas con la justicia americana. JUSTINE FRISCHMAN (Elastica): Claro ejemplo de cómo las drogas pueden arruinar una prometedora carrera. BILLIE HOLIDAY: La reina llevaba siempre en su bolso su dosis correspondiente de heroína y era incapaz de salir al escenario si no estaba colocada. SID VICIUS: Su muerte por sobredosis a los 21 años lo convirtieron en un mito. Y el punk se acabó ahí. CAMARON: El de la isla se ponía "morao", lo que le costó desavenencias con sus productores. KEITH MOON (The Who): Uno de los grandes fiesteros del sarao musical, solía desayunar un cóctel de vodka y pastillas. Y en los más alto, los hooligangs de los Happy Mondays. "Hallelujah".
No están todos los que son, sólo los que me gustan a mí y a la gran Le petit Pilo.
Salidos de las cloacas artísticas más profundas y etílicas de la capital, Merienda Cena son el tesoro musical mejor escondido de Malasaña. De momento sólo se les ha visto en su puesta de largo en sociedad en la Sala Nasti ante sus incondicionales. Pasaron la prueba con notable alto, eso sí, jugaban en casa y contra uno menos, como se dice. Ahora les toca demostrar las buenas sensaciones y las expectativas creadas al margen del abrigo de los suyos. De momento tienen dos nuevos bolos para este mes de marzo, uno en una fiesta Ladyfest en la Pequeña Betty el día 15 y otro en el Nasti Valencia el viernes 29.
Estas tres estrellas de cartón piedra (Jorge, the frontman, Ana, the chorus girl, y Luciano, the musician) están dispuestos a comerse la península como si de un pepito de ternera se tratase. Morro y desparpajo les sobra, amigos/fans que les hagan el boca a boca se cuentan por doquier y lo más importante, tienen canciones y son buenas, cachondas y originales. Paradigmas del espíritu punk y del do it yourself, Merienda cena son un producto típico made in spain. Porque el punk-rock también es posible en estas latitudes aunque muchos no lo crean.
Curtidos en más de mil batallas en el underground madrileño del que son tan viejos como jóvenes conocidos, sus canciones trasnochadas destilan sentido del humor y mucha gracia; Jorge, Ana y Luciano tienen una actitud gamberra, una falta de prejuicios que los hace originales y despreocupados y un amateurismo tan tierno y simpático que nada más verlos la sonrisa se apodera de ti. Además son muy monos, y eso siempre ayuda. A mí me gustan, porque molan todo, porque me caen bien y porque se lo merecen. ¿Hasta dónde llegarán? Hasta donde ellos quieran y el cuerpo aguante.
A mi papa el chocolate le pagaron su salario y sin pensarlo dos veces salió para malgastarlo, una semana de juerga y perdió el conocimiento como no volvía a su casa todos le daban por muerto,
y no estaba muerto no, no y no estaba muerto no, no, y no estaba muerto no, no, estaba tomando cañas, lerelele
y no estaba muerto no, no y no estaba muerto no, no, y no estaba muerto no, no, chevere, chevere, chévere,
pero al cabo de unos días de haber desaparecido encontraron uno muerto, un muerto muy parecido, le montaron un velorio y le rezaron la novena, le perdonaron sus deudas y lo enterraron con pena,
y no estaba muerto no, no y no estaba muerto no, no, y no estaba muerto no, no, estaba tomando cañas,lerelele
y no estaba muerto no, no y no estaba muerto no, no, y no estaba muerto no, no, chevere, chevere, chévere.
Como reza el subtítulo de este mi blog semanal, Como hablar de todo sin saber de nada, me aventuro a recomendar y escribir sobre un libro y un autor totalmente desconocido para mí hasta anteayer (por lo que huelga decir que todavía no lo he leído), pero tanto las personas que me lo han recomendado como el sello editorial que lo ha publicado en España (Tf. Editores) me garantizan que no me voy a equivocar en compartir con todos vosotros mi singular descubrimiento.
Fitz Hugo Ludlow (1836-1870) es el gran desconocido de la literatura americana injustamente enviado al ostracismo a pesar de haber formado parte del círculo literario (con W. Whitman o Thomas Aldrich) y bohemio de Nueva York que a mitad del siglo XIX supuso cambio de guardia en la literatura norteamericana. En 1955 se publicó El comedor de hachís (mismo año en que apareció en Francia Las flores del mal), hasta hoy uno de los mejores trabajos sobre los efectos del hachís en la mente, en el que Fitz relata sus experiencias visionarias junto a sus reflexiones religiosas, filosóficas y médicas sobre los estados alterados de la mente que produce el cannabis.
Junto a Las confesiones de un comedor de opio, de Thomas de Quincey, y Los paraísos artificiales de Charles Baudelaire, la obra de este outsider americano forma el tridente fundamental de textos literarios sobre los efectos de las sustancias alteradoras de la mente. Y mi recomendación va para todos mis lectores que el tema les interesa por las mismas razones que me interesa a mí, y porque personajes de este calibre no deberían haber caído en el olvido nunca. Pintón desde su portal añade su grano de arena para recuperar a este ángel (y fumeta) maldito.
Una leyenda familiar, más tarde usada para explicar su atracción por las sustancias tóxicas, dice que cuando tenía dos años se subió a la mesa e ingirió pimienta y cayena. Al conocer esta anécdota me he visto moralmente obligado a preguntar a mi madre si de pequeño me había ocurrido algo similar; parecer ser a los cuatro años me sorprendieron chupando chiles como si fueran regalices. Ahora lo entiendo todo.
Tras más de siete años trabajando como diseñadora para R. Torretta, Marlota decidió dar el salto, arriesgar, independizarse y crear su propia marca. En estos cuatro años que lleva de sólida trayectoria Marlota ha dejado de ser una joven promesa de la moda española para convervirtrse en una marca consolidada. Su ropa tiene mucho que ver con ella: pragmática, sencilla, cómoda, sensual, no está concebida para la pasarela sino para la calle, más que la espectacularidad, le importa que su producto siente bien y sus clientas se vean guapas vistiéndolo. Suele utilizar siempre tejidos naturales, pero me comenta que últimamente no ha podido resistirse a algunos polyster de última generación realmente increíbles.
Marlota es una artesana de la aguja, por lo que no es de extrañar que sus prendas tengan unos acabados perfectos, todos de costura francesa, y sepa perfectamente jugar con la asimetría y los volúmenes. Mima todas las fases de la producción , ya que esta es la única manera de ir construyendo un producto personal que la gente pueda identificar rápidamente; una filosofía de marca que la desmarque del resto.
Su nueva colección, a la que pertenecen las fotografías, es ideal y funcional (ya os decía que su ropa tiene mucho que ver con ella) y está muy relacionada con la papiroflexia, ya que los tejidos utilizados (casi siempre italianos) tienen el tacto del papel. Además, acaba de dar un paso más en su corta pero exitosa vida y ha empezado una nueva aventura en el mercado japonés (“esto ya son pedidos de verdad”, me comenta sonriente). Milán, Atenas, Francia, Londres, España y ahora Japón. En Madrid la puedes encontrar en L´Habilleur, Beny Room y Batcave.
De momento, no se plantea abrir tienda ni diseñar ropa para hombres, a pesar de que muchos intentamos persuadirla, pero como sabiamente piensa, las cosas se hacen poco a poco, con paso firme y sin vacuas pretensiones. O sea, que todo a su tiempo, lo que quiere decir que tendremos Marlota para rato. Que así sea.
Y para los inquietos que se pregunten de dónde viene el nombre de Marlota, si bien su elección se debe a la fonética, por lo bien que suena, se trata de una prenda de ropa árabe, además de empezar por Mar (su verdadero nombre).
Ana Domínguez es una buena amiga a la que admiro tanto profesional como personalmente y de la que me siento muy orgulloso. En temas de diseño no hay que le tosa en toda España; es una profesional como la copa de un pino, siempre al día y dispuesta a gastarse sus ahorros para ir a ferias, comprar libros y revistas especializadas y renovarse a cada momento. Hablar con ella es un verdadero lujo.
A nivel personal la cosa es incluso mejor; gran amiga de sus amigos, entusiasta como una adolescente y generosa, invita a sus más cercanos todos los viernes a unas lentejas (que con esmero y cariño prepara el día anterior para que estén más sabrosas) que resucitan a un muerto; dicharachera de risa contagiosa y mente abierta y joven, a Anita le encanta tener amigos de todas las edades, religiones, credos y clases sociales. Así es ella, un pozo sin fondo, una vampiresa que sabe sacar lo mejor de cada uno.
Hace dos domingos la entrevistaron para el semanal de El País, pero no publicaron las fotos de su casa que más le gustaban, en las que aparece con sus cosas favoritas: su colección de dibujos de arte contemporáneo, las letras con su nombre que encontró en el anticuario de Yolanda Reznak (Barbarenia), sus libros, su silla favorita: la 1006 también llamada Navy Chair de Emeco y los taburetes Bubu de Philippe Starck para la marca XO. Y en la foto que está sentada también se ven sus alfombras antiguas y dos dibujos de Manolo Blahnik. Así que aquí estoy yo desde mi rincón para sacar a luz esas imágenes tomadas por el fotógrafo Julio Lozano y que no aparecieron en el artículo firmado por la estupenda Brenda Chávez.
Para esta temporada recomienda a diseñadores jóvenes y radicales como las chicas suecas del colectivo Front, el diseñador de lámparas Paul Cocksedge, el británico Max Lamb, los chicos de rAndom International y el holandés Maarten Baas. Así que tomen nota, que estas sugerencias valen su peso en oro. Y al margen del diseño, los cacaos de Pancracio (especialmente su pasta al cacao y sus bombones con vodka). Ahí va eso.
Tras más de tres décadas alimentando y cuidando de sus parroquianos como si fueran sus propios hijos, Amelia y Rogelio han decidido colgar el cartel de “se alquila” y traspasar su negocio de toda la vida (sito en la calle Infantas esquina con Víctor Hugo). Les resulta difícil resistir en un barrio en el que corren malos tiempos para los restaurantes de comida tradicional y guisos caseros, por lo que se van a tomar el merecido descanso que se han ganado.
Ajenos a la comida joven de diseño, a la fusión y a exquisiteces de gourmet que tanto se estilan por esta zona, sus especialidades son las croquetas de jamón, el cocido, las hamburguesas, la sopa castellana y el gazpacho. Lo normal es comer en la barra (sólo tiene una mesa) y Amalia, ataviada siempre con su delantal, te cuenta, de manera cercana y personal, lo que ha cocinado esa mañana y después te da sus siempre sabias sugerencias. El ambiente, acogedor, campechano y afable, propicia las conversaciones entre clientes desconocidos mientras se ve el telediario o la ruleta de la fortuna.
A mi parecer, es el restaurante más genuino de este lado de la Gran Vía (sin contar al Bocaito, que es harina de otro costal) y las paredes de estos apenas 30 metros cuadrados tienen tanta historia como las vecinas del Cock, aunque aquí nunca comiera Francis Bacon. Y es que el diseño está acabando con el verdadero sabor y personalidad de Madrid.
Amelia, ¿qué vamos hacer sin ti y sin tus croquetas?
Sobreinformados y embriagados de canciones por la era myspace, cada vez resulta más complicado discernir un grupo mediocre de una estrella neonata. De ahí, que la gran apuesta para el winter-spring (junto a Charly Nebulosa, del que prometo hablar pronto) del nuevo año sea tan segura como poco novedosa, pero a estas alturas más vale andar con pies de plomo que dejarse embarrar por las arenas movedizas de internet. Me refiero al proyecto en solitario de la cantante y guitarrista de Hello Cuca, Lidia Damunt, que ha cambiado la cálida y huertana Murcia por la bizarra e indómita urbe de Madrid.
Hello Cuca sigue siendo, a día de hoy, el grupo español con más actitud, el único que se permite rechazar ofertas discográficas y conciertos en macrofestivales patrocinados, y la única banda con espíritu punk y discurso íntegro y underground. Así que recogiendo el bagaje artístico de su banda pero desmarcándose y sin ínfulas de ninguna clase, el nuevo proyecto de Lidia es garantía de buena música.
Ingeniosa, divertida y simpática, sus letras son chispeantes y sus melodías rockabillys destilan la emoción del realismo mágico, trenzando referencias estéticas que muchos creían olvidadas y obsoletas. Más que un soplo de aire nuevo, en este ejercicio en solitario Lidia continúa manejando las mismas influencias y directrices que con Hello Cuca; sin embargo, le sirve para sudar y exhumar sus fantasmas personales a base de buen rock de guitarras countries, reivindicándose como una de las mejores guitarristas de la escena alternativa. Talento, creatividad, heterodoxia, emoción, autenticidad… son los conceptos que me vienen a la cabeza mientras escucho las canciones de esta excelente música, que me ha regalado algunos de los momentos más vibrantes e interesantes de mi existencia musical. Por eso, desde este rincón se aplaude esta nueva aventura sonora de una de mis niñas mimadas del rock & roll patrio.
Lidia Damunt toca el próximo y celebrado día 19 de enero en la Sala Sol, en la calle Jardines de Madrid.
Al fin la esperada lista con lo mejor y lo peor del año según yo mismo y mis circunstancias. THE BEST 1. Los conciertos de The Go! Team y The Gossip en París y Devendra en Madrid. 2. Los tocados de Fátima de Burnay y los collares de Carmen Mazarrasa. 3. El look de Nacho Ventosa. 4. La exposición del surrealismo en el Victoria & Albert y la de Durero y Cranach en el Thyssen. 5. El disco de Feist y el tema de Paper Planes de M.I.A. 6. Los pedos de chocolate con setas con los colegas. 7. La semana de vacaciones en Formentera y la fiesta-boda en Biarritz de la Reznak y Titto. 8. El novio de la Amy, Fielder Civil. 9. In the summer house de Jane Bowles. 1O. La slow food (o comida casera de to la vida).
THE WORST 1. La ampliación del Prado de Moneo. 2. Hidalgo y Melendi viajando en avión. 3. El disco de Nacho Vegas y Christina Rosenvinge. 4. El Premio Planeta, J. J. Millás y el finalista Boris. 5. Alberto García Alix dando la turra en las fiestas. 6. La colección de las hermanas Pe y Mo Cruz para Mango. 7. Berlín en verano llena de españoles modernos. 8. Las entrevistas de Iker Seisdedos en el EPS. 9. El ave, los socavones y el transporte público de Barcelona. 10. La China Patino en solitario (y en compañía).
¡Pero que bien se lo pasan los colegas! Los jitazos más bailados en las parties de mi keli a lo largo de este 2007 que se escapa.
1. Samba vexillographica, Devendra Banhart 2. My moon, my man, Feist 3. Time, The Rumble Strips 4. Toop Toop, Cassius 5. Hard it Races, Architecture in Helsinki 6. Foundations, Kate Nash 7. Back to Black, Amy Winehouse 8. Bomba Latina, Chico y Chica 9. Some Great, LCD Soundsystem 10. Ne me quitte pas, Nina Simone
Este verano el Gobierno de Polonia volvía a ser, desafortunadamente, centro de atención de los mass media por su discriminación contra los homosexuales. Todos los tabloides se hacían eco de la campaña del ministro Roman Giertych y la defensora del menor, Ewa Sowinska, contra el inocuo teletubbie Tinky Winky, acusado de llevar bolso y de ser demasiado afeminado, lo que al entender de estos dos personajes tan abyectos podía promover la homosexualidad entre los más peques.
Sin embargo la cosa no quedó aquí, y otro ataque de este calibre, pero mucho más profundo, pasó casi desapercibido para los medios. En junio el susodicho ministro de educación anunciaba que Wiltord Gombrowicz no se estudiaría más y desaparecería del plan curricular de las escuelas públicas del país. La decisión era irrevocable. De hecho, formaba parte de una caza de brujas con el fin de alejar a los jóvenes de los "indeseables", entre los también que se encontraban Joseph Conrad, Goethe y Franz Kafka. El autor de Pornografía era, sin duda, el foco principal de esta persecución. Gombrowicz, el novelista polaco más reconocido de la segunda mitad del siglo XX, apuntó en sus Diarios su condición homosexual, convirtiéndose, hoy en día, en un icono gay entre los intelectuales polacos. A pesar de todos los intentos de los políticos en construir una Europa con un futuro común, abierto a la cultura, al saber y al progreso social, una Unión fundamentada en los valores de respeto a la dignidad humana, libertad y democracia, las políticas sociales de los estados chocan de una manera muy preocupante. Dentro de la misma unidad monetaria y cultural conviven países que están luchando por acabar con la discriminación que históricamente han sufrido las diversas minorías y avanzar hacia la igualdad, mientras otros dan pasos atrás y persisten en la intolerancia.
¿Será alguna vez Europa "una, grande y libre"? Va de retro, Polonia.
Su verdadero nombre era Antonio Vázquez Molina y nació en el año de 1929 en ese Tánger internacional, mítico, cosmopolita y exótico, donde vivió hasta que se marchó en 1965. Su originalidad debe mucho a su origen; Ángel Vázquez tuvo una infancia desastrosa, fruto de un padre violento que le abandonó siendo muy pequeño. Frente al padre, son las figuras femeninas de su madre y abuela las que configuran el universo infantil del escritor y, más tarde, el de toda su obra. La madre, Mariquita Molina, tenía una conocida tienda de sombreros donde el pequeño Ángel pasaría la mayor parte del tiempo oyendo los chismes de la clientas y empapándose de la yaquetía, el castellano híbrido que hablaban los sefardíes de Marruecos.
En la época dorada de Tánger, con su esplendor después de la guerra, conoce a Jane Bowles que profetizó que Ángel Vázquez escribiría algún día una obra irrepetible. Esa obra es La vida perra de Juanita Narboni, extenso monólogo-soliloquio en el que Juanita Narboni se expresa en yaquetía y lo funde a numerosos andalucismos, frases enteras en francés y términos derivados del árabe. El cosmopolitismo del Tánger anterior a la independencia de Marruecos se traduce así en la rica peculiaridad de su habla que no responde, sin embargo, a una elaborada apuesta lingüística: se trata de una simple reproducción del de los tangerinos de un nivel cultural bajo. Ardua y discontinua en su redacción, brillante en su resultado final, La vida perra de Juanita Narboni es la novela de Tánger y de su protagonista-narradora femenina; un monólogo crispado y lleno de amargura, el soliloquio de una mujer disparatada como la ciudad declinante en la que sobrevive a su propia ruina.
Su calidad literaria y su originalidad sitúan esta novela como una de las obras mayores de la literatura española del siglo XX; no obstante, los profesores de literatura no saben encajarla en sus cuadros sinópticos y clasificaciones; y no siendo ni realista ni fantástica, tampoco podrá ser juzgada en el “contexto nacional” de la novela española del siglo XX. Se instalaba más que en la tradición española, en la narrativa francesa o inglesa y en las novelas y relatos de Virginia Woolf o Chejov.
Autodidacta de sólida formación literaria, con una afición cada vez más adictiva al alcohol, su situación económica se hizo más difícil a medida que Tánger se convertía en una ciudad marroquí. Marginal por vocación y por destino, escritor a contracorriente e inclasificable, el mismo contó alguna vez que escribió aquella novela en Tánger a base de infusiones de whisky y tintorro, tan a contrapelo como todo en su vida. Más allá de las poses y de los diletantes, quizá haya sido el último escritor verdaderamente maldito de la literatura española.
En una carta a su amigo, el recién desaparecido Emilio Sanz Soto, Vázquez declara: “Yo también soy un corrompido. Sin fe en Dios, egoísta y sin ninguna confianza en mí mismo. Homosexual, alcohólico, drogado, cleptómano…”
Pasó la última etapa de su vida en Madrid, en una casa de huéspedes que él mismo llamaba “mansión Drácula”, aniquilado por el alcohol, por una inmensa pobreza y por su intrínseca incompatibilidad con la vida. El 25 de Febrero de 1980 muere de un ataque al corazón, pocas horas después de quemar sus dos últimas novelas.
Birra y Perdiz es una de esa iniciativas que de base llama la atención por su particular propuesta pero cuyo resultado desanima por la falta de talento. Se trata de una discográfica de CD-R´s que pretende difundir, publicar y promover a grupos del underground madrileño. Sin embargo, más que grupos de Madrid, parece una discográfica para dar cobijo a los grupos punteros de Teruel.
Sin ánimo de ofender, que conste que vengo en son de paz, Antonna, junto a Espanto las únicas dos referencias por el momento, es uno de los peores grupos que he escuchado en años: mediocre, aburrido y sin gracia, por no hablar de la (falta de) estética, ni de sus directos que me imagino (por lo que he visto en youtube) un ladrillo. Y los lanzamientos que preparan no parecen que vayan a elevar la calidad del catálogo, sino a confirmar mis peores augurios.
Así que, la decepción sufrida ante las iniciales expectativas creadas con esta disquera casera ha sido de órdago, puesto que me esperaba más de los responsables de singular discográfica (viejos perseverantes del underground, y me consta que con buen criterio y mejor cultura musical), pero la edad no perdona. Deberían dejar de mirarse el ombligo, comprender que underground no es sinónimo de cutre (ay, mama, esas grabaciones que mal suenan), y que la falta de medios y presupuesto se maquilla con imaginación.
Parece claro que el mercado nacional se cotiza a la baja y que cada día resulta más complicado descubrir grupos de calidad, no obstante, los chicos de birra y perdiz no están excavando en el subsuelo adecuado de la capital, y si pretenden atraer a bandas no colegas con esa imagen pobretona con olor a fritanga, lo van a tener difícil. Y es que a este proyecto le falta chispa, frescura y humor. Es decir, adolece de los ingredientes básicos para cocinar la receta del buen pop que persiguen.
Ya sé que la ignorancia es muy atrevida, pero no es mi caso, camaradas, que les tengo calados, aunque se disfracen de perdiz. Y donde dije Espanto (hace unos meses alabé sus aciertos) digo Qué Espanto.
La presidenta de Gobierno regional preguntó a la madre de Dulce Chacón en la inauguración de un instituto con su nombre, "¿Dónde está Dulce, en Cuba? ¿Por eso no ha venido?" La mujer no entendía lo que le decía la presidenta; se quedó muy confundida. Luego le tuvo que decir: "Mi hija murió". Y para colmo, Dulce es de Zafra, Extremadura, nada que ver con la escritora cubana Dulce María Loynaz.
Hace ya más de un año que Chico Careca, insigne colaborador y amigo de este rincón, nos regaló un interesantísimo artículo sobre el triunfo de la pintura en el mundo del arte contemporáneo. Más allá de los estrategicos e interesados movimientos de fichas de los totems del mercado, Chico esgrimaba el hastío y el tedio de los compradores y meros aficionados como elemento fundamental para este épico retorno. Hablando en plata artística, que la gente estaba aburrida y los días estaban contados para artistas como Ana Laura Aláez. En España, como siempre a rebufo de los movimientos que suceden allende nuestras fronteras, en este caso particular del Soho neoyorquino y el East londinense, ha costado que las galerías más punteras y modernas acepten dicho renacimiento de la pintura. Sin embargo, las chicas de Travesía Cuatro han apostado fuertemente y mañana jueves 25 de octubre inauguran la exposición del joven y prometedor pintor Jorge Diezma. La apuesta del artista madrileño es arriesgada por su tradicional composición y su discurso clásico, compuesta por una serie de cuadros de fondo muy negro, como indica el propio título de la exposición, que hacen referenciaa de manera más o menos directa a sus influencias, Durero, los pintores flamencos, Alex Katz o Georgia O´Keeffe. Su pintura toma conciencia de sí misma valorándose como pintura pura y no como mero espectáculo. Es decir, arte intemporal. Jorge Diezma es un pintor de vocación y formación; un valor en alza y una apuesta segura para los collectors que buscan, ante todo, autenticidad y la posibilidad de pescar en nuevos caladeros.
Pásate por Travesia Cuatro, situada en la calle Travesia de San mateo, nº 4. No te arrepentirás.
París, la eterna ciudad de la moda y la pintura, se sitúa ahora en el epicentro del panorama dance-independiente desbancando por goleada a Nueva York, que desde el electroclash no levanta cabeza, y a Berlín, aletargada en su minimal enfermizo. Nunca antes la escena parisina había estado tan en boga como en estos momentos, y es que de la ciudad de las vanguardias nos llega una oleada de grupos que han insuflado aire fresco a la música de baile que ya empezaba a respirar de manera forzada. Los hermanos pequeños de Daft Punk y David Carreta vienen pisando fuerte, dispuestos a hacernos mover la tibia y el perone a base de rompepistas para bailar y sudar tanto en tu club favorito como en el salón de tu casa. A continuación, un sucinto informe de lo más interesante que nos viene de la capital gala (huelga mencionar a los más que conocidos Justice o Black Strobe): Scenario rock. Los más veteranos de esta joven hornada. Su hitazo Skizo Danzer lleva sonando en las discotecas de medio mundo más de tres años, y su estribillo tarareado con febril entusiasmo: "Who is the dj tonight? Give me something to dance for... Disco, Disco, Disco." Sublime. The Shoppings. Son sin duda el nuevo hype y darán mucho de que hablar en los próximos meses. Acaban de sacar disco en el que colabora el diseñador del momento, Jeremy Scott, lo que hará las delicias de los fashion victim. De momento su single, Tu fais quoi dans la vie, con base rapera y guitarras rockeras, me parece simplemente la polla. Para One. Los más zapatilla del bloque, herederos directos de Daft Punk, con un toque todavía más hortera. A su favor que todos los dj´s del momento los incluyen en sus seiones, y ya se sabe que cuando el sabio señala a la luna con el dedo, todos miran el dedo. A mí me gustan. Joakim. Viejo conocido, siempre en el anonimato, es una especie de Thomas Raumschmiere a la francesa, con mucho rock y mucha electrónica. La bilbia de la modernidad llamada Collette ha incluido en su nuevo recopilatorio dos cortes suyos. Y ya se sabe que lo que dice Colette va a misa sin rechistar. Y si te has quedado con la miel en los labios y quieres más, investiga entre los artistas del sello Ed Banger Records de París.
Muchos antes que Karlos Arguiñano, El canal cocina, o Ferrá Adriá y su Bulli, los españoles nos chupábamos los dedos y aprendíamos las artes culinarias con Con las Manos en la masa. Pero sin duda, el programa ha pasado a la memoria histórica (o mejor dicho intrahistórica) de este país tan celtibérico por su cabecera, obra de las Vainica, cantada a dúo con Sabina. Aquí mi homenaje. ">
La noche en blanco madrileña puso al descubierto varias cosas: La primera de ellas y la más importante es que el arte no es un fenómeno de masas, sino algo más íntimo. Por mucho que iniciativas como ésta intenten acercar el arte y la ciudad a los ciudadanos, a éstos lo único que les mueve es la fiesta, y si es gratis, mejor. Así el Matadero se convirtió el sábado por la noche en un macrobotellón patrocinado por la Comunidad y el Ayuntamiento de Madrid. Menuda paradoja. Imagino que eso debió pensar el alcalde Gallardón mientras recibía todo tipo de pitos e insultos en su visita a Legazpi. (Sin duda el más gracioso y menos ofensivo de los que pudo escuchar fue: ¡Alberto, coño, depílate las cejas ya!) La línea 3 de metro estaba a eso de las doce de la madrugada atestada de gente ebria, enlatados como sardinas, vociferando vítores, y con cubatas y cervezas en mano, dirigiéndose cual rebaño con cencerro a su matadero.
El segundo punto importante que merece una atenta mirada por parte de las autoridades pertinentes es la falta de organización. Colas kilométricas, transportes escasos, falta de señalización para los escenarios y espacios, y para colmo de la falta de previsiones, los agentes que trataban de controlar a las hordas desbocadas se vieron totalmente desbordados obligadando a cerrar las puertas y como consecuencia los últimos actos lúdico-festivos (los dj´s). Mucho tienen que mejorar si quieren organizar los JJ. OO.
El resultado personal fue que me tuve que marchar encabronado sin ver la actuación de mis queridos chingados de los Nuevos Ricos, y preguntándome las causas por las que iniciativas de este tipo siempre están condenadas al más sonoro fracaso. Para mí que la culpa de todo la tienen los DJ´s.
El destino, por un lado, y la ciudad de Berlín, por otro, han unido a estos dos músicos americanos de altura, y México D. F. ha puesto el escenario para la grabación de su primera maqueta. El resultado no es el esperado, sino que se encuentra muy por encima de lo que creíamos muchos de sus fieles. Algo que suena a otra época dorada, y reivindica las raíces musicales como fuente de inspiración para hacer algo nuevo.
Pop, psicodelía, cabaret, punk, rollito africano, jazz, todo junto pero por separado; nuevo pero que suena a viejo, ¿les puede poner más? A continuación les presento a los culpables de esta excursión sonora:
Jessie Evans, californiana, pone la voz, toca el saxo y las maracas, se dio a conocer hace unos cinco años con The Vanishing, grupo que puso al underground berlinés patas arriba, y que al mismo tiempo sirvió de epitafio. Jesse, lo más parecido a Siouxie que ha visto madre moderna, formó a continuación Autonervous con Bettina Koster, líder de las imprescindibles Malaria, grupo alemán de los ochenta.
Tobby Dammit, natural de algún estado sureño, toca la batería y las maracas rumberas. Su CV es de los que quita el hipo: con Iggy Pop, como músico a sueldo, integrante del grupo neoyorquino Swans, y fantástico productor para Bertrand Burgalat y su sello Tricatel, son algunos de sus avales.
El caballero sureño con cara afable y la nueva Josephine Baker son los abanderados del nuevo cabaret con caja de ritmos, y de momento ya se han clasificado para la Champions antes que nadie y con solo tres temas. La audiencia se manifiesta a gritos: "Queremos más".
Tras este obligado y necesario parón estival (que muchos suponían definitivo), Pintón está otra vez aquí, de vuelta en su rincón. En este caluroso mes de la rentreé, Madrid arde en fiesta y la gente bronceadita (menos los muchos que se han ido a Berlín de vacaciones) con renovadas expectativas ante la nueva temporada. Y es que para muchos los años cronológicos no significan tanto, y nuestro verdadero ritmo del tiempo se mide por temporadas que empiezan en septiembre, como el colegio y la liga de fútbol, y acaban... cuando se pueda, antes del aburguesado mes de vacaciones. Y para mi rentreé, voy a hablar de la alegría mayor de la huerta del mundo del rock, es decir, del suicida Ian Curtis, líder de los añorados Joy Division, uno de mis grupos de cabecera. El motivo no se otro que el próximo estreno del biopic sobre su vida, Control, dirigido por Anton Corbijn y protagonizado por el desconocido Sam Riley y Samantha Morton, que espera convertir, para los que todavía no lo es, en mito contemporáneo al genial compositor inglés. Aprovechando el tirón de los biopic de estrellas del rock que iniciara ya hace unos años Gus Van Sant con Last Days, el neófito director Corbijn, fotógrafo oficial de Depeche Mode y U2, bucea en la vida sentimental del cantante de voz magnética y belleza angelical, con el frío y lúgubre Manchester como telón de fondo, para intentar acercarnos a la mente del joven de 23 años que decidió poner fin a su vida cuando empezaba a triunfar. Sombrío y frágil, lacónico y conciso, Ian Curtis se suicidió en la cocina de su casa el 18 de mayo de 1980 después de ver una de sus películas favoritas(Stroszek del gran W. Herzog) y mientras escuchaba el disco The Idiot de I. Pop, convirtiéndose en el mártir del movimiento new wave que jamás envejecerá. La película no se limita a contar la banal historia de adulterio que muchos apuntaron como el principal motivo del suicidio. Ian, casado con Deborah y padre de una niña, había tenido una relación con una periodista belga. Escuchar esa voz perdida mientras canta Transmissión en el limbo de una Inglaterra desolada, en un viaje vertiginoso al bordo del abismo, es suficiente para nuestra felicidad de melómanos. Más que un cadáver desenterrado, Ian Curtis deviene en la piel de Sam Riley el fantasma elegante y atormentado que siempre fue.
La archiconocida estilista de moda inglesa, Isabella Blow, conocida por sus extrafalarios sombreros, se suicidó el pasado 7 mayo tras ingerir insecticida Paraquat (de la misma forma que se había suicidado su padre). Y mejor que hablar yo de ella, dejemos hablar a sus amigos:
Philip Treacy: Isabella Blow ha sido la persona más fascinante que conocí cuando llegué a Londres desde Irlanda. En 20 años conocí a todos mis héroes pero ninguno la ha igualado. Todos parecían aburridos en comparación. Hoy estaba en mi estudio y la veía en todos los lados. Ella se encuentra en cualquier sombrero que hago y en cualquier rincón en el que me encuentro.
Hussein Chalayan: Uno de los grandes momentos de mi vida fue nuestro viaje a Estambul. Me senté unas filas detrás de ella durante el viaje, y su sombrero era como una nana visual que me hacía dormir. También me acuerdo de ella paseando por el casco antiguo de la ciudad con un sombrero de avestruz como si fuera un cuadro clásico.
Bryan Ferry: Nunca me aburrí con ella, con ese gran sentido del humor y su risa contagiosa. Era una apasionada de las beautiful things y su entusiasmo era abrumador y enfermizamente obsesivo. Era como un tifón colorido, nunca dejaba las cosas a la mitad. Era como sus sombreros, única. Un simple desayuno con ella se convertía en una gran experiencia. Como amiga era ferozmente leal. El mundo de la moda llorará durante mucho tiempo su pérdida.
Karl Lagerfeld: Isabella era una excéntrica a las más pura tradición inglesa. En Francia no ha existido nadie así.
Ann Wintour: Contraté a Isabella en 1981 como asistenta. Tenía siempre su pandilla con la que se reunía a charlar en los despaches de Vogue. Basquiat era un visitante habitual, y los dos se sentaban durante horas. Su personalidad atraía a personajes tan singulares como ella, y conforme su carrera iba progresando, Isabella fue capaz de encauzar perfectamente su individualidad y lanazar a la gente en la que creía. Un espíritu libre irrepetible.
Porque la protagonista es una rubia muy cañón que levanta muchas pasiones y envidias. Porque vas a ir de fiesta en fiesta, experimentando emociones fuertes, bailando sin parar y tomando drogas. Porque vas a escuchar el mejor rock and roll y la mejor salsa. Porque vas a conocer a los personajes más misteriosos, extremos, atrevidos y neuróticos. Porque hay suicidios, asesinatos, enfermos mentales, y sexo. Porque el autor es Andrés Caicedo.
My space por fin se instala en España. El pistoletazo de salida se dio hace un par de semanas con la fiesta de presentación en el madrileño Teatro Calderón (ahora lamentablemente rebautizado con el nombre de una marca de helados que me niego a nombrar) con la actuación estelar del grupo ladrillo por excelencia, Smashing Pumpkins.
Por el momento el equipo my space hispano está integrado por cuatro personas, siendo Borja Prieto el cerebro creador de todo este circo. El mismo que hace ya más de un lustro animaba la escena fancinera con el fancine YoYó, paradigma del cutre-luxe, y que posteriormente se reconvirtió en un sello discográfico independiente, eso siempre, antes muerto que mainstream.
Y ahora nos han presentado la primera hornada de su esperado merchandising que sienta las bases de sus intenciones estéticas. Pegatinas con el lema CAGA Y MEA A GUSTO, y camisetas inspiradas en el icono I LOVE NY transfiguradas en I LOVE MS. El caso es que este personaje que antaño se atrevía a dar lecciones sobre el buen gusto, sobre lo que estaba in and out, nos presentan un merchandising de estética casposa, que si es una broma, no tiene ninguna gracia, y si va en serio, es todo un atentado a lo que él promulgaba años atrás. Señor Pon no se puede vivir toda la vida del rollo cutre ni de chorradas escatológicas que ya no provocan, además las bromas privadas son eso, para que se rían los colegas, no para lanzar una campaña a nivel nacional.
Reciclarse o morir, pero sobre todo, no hacer abuso de los chistes porque se gastan fácilmente y pierden toda la gracia, y jugar mejor las cartas de la sátira, el humor y la ironía. Y que conste que lo digo todo de buena intención porque creo que imaginación y buenas ideas no le falta a este padre de familia, y todavía puede demostrarlo y hacer que me trague todo este post. Así que desde aquí va esa palmadita en la espalda (o ese capón) para que se espabile y lo haga mejor, y si no, que lo diga Diana Aller.
